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Em algum lugar em Long Island por volta de 1980, uma pré-adolescente com cabelos claros está no palco em um acampamento de verão canalizando Hodel de Fiddler on the Roof, sua voz confiante e poder de estrela evidentes. Seu pai de pele escura sorri da plateia e, quando ela faz sua reverência, absorvendo os aplausos, ele se aproxima do palco com um buquê robusto de margaridas. Ele entrega a ela as flores, seus olhos e corações travando por uma batida de orgulho compartilhado. Então a menina percebe que todos os outros pais, instrutores e crianças no auditório estão olhando para eles. “Não de uma forma que me fizesse sentir bem, não porque eu tivesse feito o melhor desempenho da noite”, ela se lembraria décadas depois. “Eles estavam olhando porque meu pai era o único homem negro à vista e eu pertencia a ele.” Os outros presumiram até aquele momento que Mariah Carey – a garota com o cabelo loiro mel crespo – era branca como eles.

The Meaning of Mariah Carey, as memórias deliciosas da cantora co-escrita com Michaela Angela Davis, uma ex-editora da EssenceVibe, lembra muitas dessas histórias. Ao fazê-lo, é uma conversa direta com a tradição literária americana de romances sobre mulheres negras que passam e podem passar – histórias sobre a ocultação, ou a possibilidade de ocultação, da ascendência negra de alguém e de toda a complexidade pessoal e social concomitante. Desde o final do século 19, os escritores têm usado a passagem como uma ferramenta narrativa para fazer de tudo, desde encorajar os leitores brancos a simpatizar com as lutas dos personagens negros até examinar a hipocrisia da hierarquia racial da América.

O fenômeno tem voltado ao discurso através das memórias de Carey  de 2020, o romance deslumbrante de Brit Bennett, The Vanishing Half (que logo se tornará uma série limitada da HBO escrita por Aziza Barnes e Jeremy O. Harris) e, finalmente, neste outono, o primeiro adaptação para o cinema do romance de Nella Larsen, Passing, de 1929, dirigido por Rebecca Hall e estrelado por Tessa Thompson e Ruth Negga. Quando o trailer do filme foi lançado em setembro, o Twitter estava em chamas. Alguns usuários compartilharam artigos detalhando a conexão pessoal de Hall com o material – o diretor disse que membros da família de sua mãe se passavam por brancos – e a escalação de Negga e Thompson para os papéis principais. Alguns achavam que as atrizes não eram “passáveis” o suficiente para realizar tal estratagema, enquanto outros argumentaram que sua negritude ser detectável por outros negros, embora talvez não por brancos, estava perfeitamente de acordo com as intenções de Larsen.

Até este discurso de passagem, no entanto, as discussões recentes sobre a passagem de negros e brancos muitas vezes se centraram em alguma forma de “pesca negra”, o termo da escritora Wanna Thompson para as travessuras de Rachel Dolezal de mulheres brancas que buscam “passar” por negras online e – para o especialmente ousado – pessoalmente. Na visão de Thompson, os pescadores-negros buscam lucrar com a estética muito invejada da negritude enquanto evitam as consequências de viver como uma pessoa negra real. Em contraste, a influência duradoura do romance de Larsen e a expectativa em torno da adaptação de Hall trazem à tona a conversa muito mais antiga em torno da experiência vivida por mulheres negras que passaram – ou que se acreditava que estavam passando – por brancas.

Nos anos entre Passing the book e o lançamento de Passing the movie, as ideias sobre raça, hereditariedade e identidade multirracial se transformaram inúmeras vezes – dentro das famílias, dentro das instituições e dentro da cultura pop. Isso, é claro, inclui Mariah Carey, uma superstar pop birracial que ganhou fama à medida que as conversas públicas sobre identidade multirracial se expandiam no início dos anos 90. Ela se tornou uma espécie de avatar para a identidade birracial, uma presença validadora para alguns e uma fonte de curiosidade e desconforto para outros.

Apesar do fato de que Carey nunca se passou por branca, a ambiguidade em torno de sua identidade fez com que alguns ouvintes a rejeitassem como uma espécie de “mulata trágica”, um estereótipo que Carey e o co-escritora Davis conheciam desde o início. “O que sai assim …‘ mulata trágico ’é quando você apenas toca a superfície de‘ ninguém me entendeu ’ou‘ eles me trataram assim ’”, disse Davis no ano passado. “Se você não for até o fim, é assim que se sente.” Então, elas foram até o fim, escrevendo um livro de memórias instantâneo clássico de celebridades que serve como uma interpolação inadvertida de um gênero começando com Larsen’s Passing e continuando até o romance de Danzy Senna de 1998, Caucasia: a moderna saga passageira.

Um dos primeiros romances americanos publicados por uma mulher negra foi uma história passageira. Em 1892, a abolicionista Frances E.W. Harper publicou Iola Leroy, a história de uma filha de pele clara de uma mulher escravizada e uma proprietária de escravos que foi criada para acreditar que era branca. Iola mais tarde descobre sua identidade negra após a morte de seu pai; o romance termina com Iola rejeitando o casamento com um homem branco, aceitando totalmente seu lado preto, e jurando devotar sua vida à ascensão racial. Mas em romances posteriores de mulheres brancas, como Showboat de Edna Ferber (1926), Imitation of Life (1933) de Fannie Hurst e Quality de Cid Ricketts Sumner (1946), o passar é empregado como um artifício melodramático e tratado como a maneira perigosa mas necessária de mulatas confusas e trágicas, presas para sempre entre dois mundos que jamais as compreenderiam.

Esses livros são mais interpretados como tentativas de gerar simpatia da classe média branca pelos negros, com personagens como a ilustre Pinkey de Quality, que passa a se formar em enfermagem no norte e decide usá-la para servir sua cidade natal negra no sul. Mas quando as mulheres negras escreveram romances modernos de passagem, elas fizeram observações pontuais sobre colorismo, classe, brancura, a farsa da raça e as restrições de gênero – tudo sem a seriedade pesada de suas colegas brancas. Nas mãos de mulheres negras, as narrativas passageiras modernas capturam com precisão a singularidade feia da travessia, embora sejam imbuídas com o tipo de humor malicioso que permite aos leitores experientes soltarem uma risada maliciosa a cada poucas páginas.

Ao contrário de Iola Leroy, que é sobre uma mulher que não sabia que estava passando, Aprovação examina uma personagem que escolhe morrer por alguma combinação de conveniência, tédio e emoção. Nella Larsen nasceu em 1891, filha de um homem de ascendência afro-caribenha e uma mulher branca, mas depois que seu pai morreu, ela foi criada em uma família na qual era a única pessoa de cor entre sua mãe, padrasto e irmã mais nova. Sua vida familiar deu-lhe uma sensibilidade para a fluidez de raça e identidade, e seu romance foca na reunião traiçoeira de duas amigas de infância de pele clara: Irene Redfield, que vive uma vida confortável entre a elite negra no Harlem com seu marido médico negro e seus dois filhos, e Clare Kendry, que escolheu passar por um homem branco rico e fanático.

Passing emprega todas as marcas da narrativa passageira clássica – ocultação, segredo e segregação – mas as explora por meio de personagens como Clare, que é mais ambivalente sobre a passagem do que angustiada, e Irene, cujo estilo de vida burguês e sexualidade reprimida são prisões próprias. O apelido do marido de Clare para ela é “Negra’ porque, ele diz, “ela está ficando cada vez mais escura” desde que se casaram; em um ponto, na frente de ambas as mulheres, o marido de Clare diz a Irene que “ele odeia os negros,  também, por tudo que ela está tentando se transformar em um.” Embora Irene atribua a si mesma uma certa “consciência racial” que ela acha que falta em Clare, ela se orgulha de se misturar socialmente com a crosta superior branca de Manhattan e desencoraja o marido de discutir a realidade do linchamento com seus filhos.

O ato de passar não é o objetivo do livro de Larsen, mas uma porta de entrada para criticar outros aspectos da feminilidade negra dos anos 1920, como domesticidade, isolamento e tédio da classe média alta. Irene é dada a frequentes crises de intensa preocupação com a escolaridade de seu filho ou seu casamento insatisfatório e se sente, como escreve Larsen, “cansada e deprimida. E apesar de todas as suas tentativas, ela não conseguia se livrar daquele mistério monótono e indefinido que com crescente tenacidade a dominava. ” (Enquanto isso, a governanta Negra de Irene, Zulena, atende as ligações de Irene, recebe os convidados de Irene e prepara as refeições de Irene a um fio de cabelo fora da visão do leitor.) Clare, atuando como a armadura de Irene, é bagunceira e dá a seus impulsos mais básicos a conta principal dela vida. Ela entra e sai de suas posições raciais e da vida de Irene como ela quer – para fins sombrios.

No período imediatamente após a Segunda Guerra Mundial, por meio do movimento pelos direitos civis, os negros americanos venceram batalhas políticas e sociais que esgotaram parte de sua utilidade. Grandes avanços na representação de Black na esfera pública, combinados com incontáveis ​​declarações de que Black era bonito, fizeram passar uma imagem inútil e vergonhosa. Alguns afro-americanos que já haviam optado por passar optaram por voltar – como os Johnstons, uma família de New Hampshire que causou sensação nacional ao revelar sua linhagem negra em uma edição de 1947 do Reader’s Digest. Nos anos 70, os escritores mais jovens achavam que passar era algo fora de moda: no romance satírico Oreo do escritor negro Fran Ross, de 1974, a heroína de pele clara e birracial (negra e judia) é propensa a ataques criativos do que podemos agora chamar de troca de código, usando sua voz e postura para ganhar acesso a diferentes espaços e comunidades à vontade. Ross parece mais interessado na mistura cultural do que estritamente passageira, e sua heroína, Oreo, é tão hábil com as complexidades do iídiche quanto com as gírias negras americanas. Quando ela quase começou um incêndio na floresta em um acampamento, ela castigou as chamas, “Oi vei, suas mães.”

Alguns dos que optaram por passar eram o que poderíamos descrever como birraciais, e escolheram fazê-lo não apenas porque queriam os benefícios da brancura, mas também porque não sentiam que tinham uma escolha amplamente compreendida de reivindicar ambos os lados de sua parentesco. Como Allyson Hobbs observa em A Chosen Exile: A History of Racial Passing, o hibridismo racial “sempre existiu, mas reivindicar uma identidade mestiça só se tornou uma opção quando surgiram oportunidades para reimaginar a identidade racial”. Uma dessas janelas ocorreu nas décadas que se seguiram à decisão Loving v. Virginia de 1967 da Suprema Corte, que derrubou todas as proibições ao casamento inter-racial nos Estados Unidos. Aquele momento divisor de águas acabou levando a uma geração de escritores mestiços que navegariam pelas fronteiras raciais de novas maneiras e, em 1998, Danzy Senna publicou seu romance de estreia, Caucasia, virando a narrativa passageira de cabeça para baixo e rasgando o arquétipo mulato trágico em metade.

Senna cresceu em Boston como filha de mãe branca e pai afro-mexicano, os quais lhe impressionaram pelo orgulho de sua identidade negra, embora fosse mais frequentemente confundida com judia ou italiana. Senna dá a seu protagonista do Cáucaso, Birdie Lee pálida e de cabelos lisos, uma origem racial semelhante à dela: A mãe da personagem, Sandy, é uma mulher branca de uma linhagem Waspy de descendentes de Mayflower, e seu pai, Deck, é negro homem com a pele descrita como a cor de chocolate ao leite. A história começa em Boston na década de 1970, tendo como pano de fundo as tentativas desastrosas da cidade de desagregação escolar, que, quando encontrou resistência branca, só aprofundou as tensões raciais entre os residentes. É um ambiente com ideias rígidas sobre categorização étnica.

Sandy e Deck, ativistas que acreditam que os federais estão rastreando sua organização política clandestina, concordam em se separar e sair da rede, cada um levando consigo a criança com a qual mais se parecem. A irmã de Birdie, Cole, de pele morena e cabelos crespos, vai com o pai. Birdie, cujo cabelo escuro e mistura de características não combinam exatamente com os de sua mãe Waspy, é forçada a se passar por uma garota judia. Em Passing, Clare faz um trabalho alegre de sua escolha para passar e parece cruzar de volta para o Harlem para seu próprio entretenimento. O mundo do Cáucaso reprime tanto o desejo de ultrapassar quanto as rígidas fronteiras da identidade racial.

Os limites da brancura cresceram consideravelmente entre os anos entre as guerras de Passing e as décadas de 1970 e 80 do Cáucaso, quando italianos, judeus americanos e irlandeses americanos foram integrados de forma mais completa ao rebanho, embora não completamente – em uma cena, valentões brancos em Birdie  pequena cidade de New Hampshire avista seu colar da estrela de David e começa a jogar moedas nela. Ela fica sem leme e deprimida quando passa por branca e fica constrangida na escola primária afrocêntrica de Boston ou quando está com o pai. Birdie muitas vezes considera sua passibilidade como um albatroz, o que a impede de se conectar com o mundo ao seu redor, e observa seu tempo de fuga com sua mãe como sendo especialmente difícil: “Naqueles anos, eu me sentia incompleto – um borrão cinza, um corpo em movimento, galopando para sempre em direção à conclusão – metade menina, metade casta, metade mastro e metade cozida, ainda não totalmente pronta para o consumo. ”

No Cáucaso, Birdie inveja o vínculo entre sua irmã e seu pai, sentindo-se como se ela desaparecesse na presença deles, mas desejando profundamente o parentesco e a aprovação de sua irmã Cole. Esse mesmo desejo de ser visto e compreendido ecoa nos primeiros capítulos de The Meaning Of Mariah Carey. Depois que seus pais se divorciaram quando ela tinha 3 anos, Carey, assim como Birdie, passou sua juventude itinerante com uma mãe branca que, conscientemente ou não, se beneficiou da habilidade de sua filha passar. Carey tinha irmãos que se apresentavam como negros de maneira mais inequívoca. Ela escreve sobre como seu relacionamento com sua irmã, Alison, tornou-se tóxico além do reparo; sua tensão original parecia resultar do fato de que os irmãos de Carey sentiram que a pequena Mariah recebeu um tratamento mais suave de seus pais. Carey está ciente, até mesmo compreensiva, do ódio precoce de seus irmãos por ela, reconhecendo o papel que sua aparência desempenhou em tornar alguns aspectos de sua infância mais fáceis. Sobre seu desprezo, Carey escreve: “Eu era o que eles consideravam uma criança dourada: cabelo mais claro, pele mais clara e um espírito mais leve … Eu acreditava que eles acreditavam que eu estava passando”.

Passing explora o que significa ser uma mulher aceitável em uma comunidade maior. Caucasia se concentra nos efeitos da passagem dentro de uma família. The Meaning Of Mariah Carey explora ambos, mas também descreve a mecânica e a utilidade de manter uma imagem aceitável – ou, como diz Carey, “negritude imperceptível” – para o consumo global. Embora o dinheiro, o status e a fama que Carey alcançou devam talvez isentá-la de sentir que precisa se explicar, em suas memórias ela parece sentir a responsabilidade de compartilhar as intimidades de sua identidade com o público.

Uma dessas facetas é ter que estar hiperconsciente dos motivos e inseguranças raciais até mesmo dos brancos mais próximos a ela. Há seu primeiro marido, o executivo da Sony Music, Tommy Mottola, que Carey diz “tentou limpar o seu lado ‘urbano’ (tradução: preto)” dela, apagando as primeiras gravações de seus improvisos emocionantes e proibindo-a de usar o cabelo liso porque – ironicamente – parecia muito com os estilos dos populares cantores de R&B Black da época. Mariah também desconfia de sua mãe, Pat, e de como Pat reage quando está assustada: “A sua segurança completa na evidência histórica de que a brancura sempre será protegida ativa – e ela frequentemente chama a polícia.” O significado detalha um exemplo de 2001 quando, no calor de uma discussão familiar, Pat ligou para a polícia e Mariah acabou deixando a casa em Westchester que ela havia presenteado Pat no banco de trás de um carro policial. Como Carey e Davis observam sobriamente, “Mesmo Mariah Carey não poderia competir com uma mulher branca sem nome em perigo.”

Mas Carey sempre teve plena consciência de onde ela estava. Seus esboços da vida em Long Island em seu livro são dolorosos. Ela descreve suas primeiras experiências com o racismo como “um primeiro beijo ao contrário: a cada vez, um pedaço de pureza foi arrancado de meu ser”. Certa vez, um grupo de garotas brancas da escola a convidou para ir aos Hamptons sob a falsa pretensão de amizade, apenas para prendê-la em uma sala dos fundos e gritar repetidamente: “Você é uma preta!” em seu rosto. Foi traumático, mas ela manteve em segredo. “Como você diz à sua mãe toda branca que seus ‘amigos’ só te arrastaram para sua grande casa toda branca em Southampton, passando por um quarto intocável todo branco, só para encurralá-lo e chamá-la de coisa mais suja em seu mundo todo branco? “

A ambigüidade assumida por Carey, suas tentativas de proteger sua própria privacidade e a preferência da indústria da música por garotinhas brancas com grandes vozes levaram muitos fãs casuais a supor que Carey nem queria ser vista como misturada até o início de sua carreira. (Em um ensaio de 1998, Senna escreveu que uma vez, brincando, colocou Carey em uma lista inédita de “Negros que podem não saber que são negros”.) Em sua entrevista para The Root, o coautor de significado Davis diz que, pelo menos até meados da época, “havia essa narrativa … no imaginário coletivo que Mariah não identificava como negra”. Em 2005, quando Davis, então editor de moda e beleza da Essence, convenceu a revista a dar a Carey sua primeira capa, a manchete dizia: “Mariah Carey: Mulher negra mais mal compreendida da América – a história que só nós podemos contar”. A primeira linha irônica da história, escrita pela estudiosa de hip-hop e cultura Dra. Joan Morgan: “Esta‘ mulata dificilmente é trágica.”

Freqüentemente, na imaginação literária branca, a mulher mestiça de preto e branco não tem lugar e não tem gente. Carey e Davis deixam claro que os relacionamentos mais amorosos e sustentáveis ​​da cantora têm sido com mulheres negras – amigas como o rapper Da Brat e a cantora Maryann Tatum, também conhecida como “Tots”, bem como sua tia-avó Nana Reese, sua avó Addie, e sua prima LaVinia. Carey encontra seu reconhecimento mais claro nessas mulheres, que parecem refletir de volta para ela uma parte vital de si mesma.

A experiência de fama de Carey poderia ter acontecido apenas uma vez; seu estrelato abriu um buraco no céu. Sua carreira amadureceu enquanto conversas atuais sobre identidade mista ainda estavam se formando e enquanto as narrativas passageiras do passado, brilhantes e desajeitadas, ainda tinham que desaparecer da memória da cultura pop. Houve um tempo em que ela poderia ter sido considerada a pessoa mista mais famosa de ascendência negra e branca na América, mas agora o campo está muito mais lotado (Zendaya, Drake, Barack Obama, Meghan Markle). Carey cantou a música tema do programa Mixed-ish de Kenya Barris – uma série bem-intencionada que alguns críticos consideraram baseada em ideias rígidas sobre a negritude e a ideia falsa e antiquada de que famílias multirraciais são a solução para o racismo americano, colocando em descompasso com as experiências vividas por pessoas multirraciais.

O livro de memórias de Carey é comovente pelo que revela sobre sua vida, mas também atua como um sinal de pontuação em uma era anterior. Embora imperfeitas, as conversas públicas sobre a passagem e a identidade multirracial avançaram, possivelmente mais do que Carey ou mesmo Larsen jamais imaginaram que poderiam. Ainda assim, nosso fascínio básico com a passagem é sempre.

Fonte: Vulture

Mariah Carey é uma das cantoras mais talentosas da história do pop, mas há uma palavra em seu currículo que ainda desperta muitos debates entre fãs e críticos: Glitter.

O filme estreou em setembro de 2001 enquanto a cantora lutava com sérios problemas pessoais. Ela havia terminado recentemente com seu então namorado, Luis Miguel, após três anos de namoro, e ainda trabalhava com seu ex-marido Tommy Mottola. Em julho de 2001, ela foi hospitalizada após sofrer um colapso emocional e fazer uma aparição errática no TRL da MTV.

Quase 20 anos depois, Carey revelou que foi diagnosticada com transtorno bipolar em 2001, mas ela manteve isso em segredo porque temia que o estigma em torno da doença mental atrapalhasse sua carreira. Embora tenha recebido o diagnóstico no mesmo ano em que foi hospitalizada, a nativa de Nova York disse que levou anos para perceber que precisava procurar tratamento.

A cantora de “Hero” mais tarde descreveu aquele período como um dos momentos mais intensos de sua vida. “Foi um momento difícil quando o Glitter foi lançado”, disse ela durante uma aparição em novembro de 2018 no The Tonight Show, estrelado por Jimmy Fallon. “Foi uma coisa toda; foi um drama.”

Os críticos não ajudaram na situação, apontando o que viram como falhas do filme e observando que a trilha sonora que a acompanha não vendeu tão bem quanto os outros sucessos de Carey.A imprensa não deveria ter comparado Glitter a outro álbum de Mariah Carey, porque é uma trilha sonora, um álbum conceitual com um tema retrô dos anos 80”, disse ela ao USA Today em novembro de 2002. “Não se espera que trilhas sonoras vendam como artistas ‘outros álbuns. Mas eu ainda acho que há algumas músicas realmente boas naquele álbum. “

Em 2018, no entanto, os fãs do cantora, conhecidos como Lambily, conseguiram empurrar o Glitter para o primeiro lugar na parada de álbuns do iTunes após uma campanha de mídia social conhecida como #JusticeForGlitter. Apesar de sua história complicada com o álbum, a cantora de “Fantasy” reconheceu os esforços de seus fãs em entrevistas e postagens nas redes sociais, dizendo que o sucesso renovado do LP foi inteiramente devido aos fãs.

“O fato de o Glitter ter voltado é uma grande coisa“, disse ela a Jimmy Fallon depois que o álbum atingiu seu marco tardio. “Quem pensava que chegaria ao primeiro lugar, todos esses anos depois? Mas é um bom álbum e os fãs fizeram acontecer. Eu não tive nada a ver com isso. O Lambily está por trás disso. É um movimento, é maior do que eu.”

Foi ideia dela
“Eu escrevi em um  tratamento”, disse Carey ao Movieline em agosto de 2001. “É uma história que eu queria contar há muito tempo. Começamos com minha personagem, Billie Frank, como uma menina de 9 anos. Ela está em um clube vendo sua mãe cantar. Billie tem pele clara e sua mãe é negra. E sua mãe está claramente fora de si, drogada ou bêbada, não sabemos ao certo. A certa altura, a mãe perde o controle no meio de uma música, ela esquece suas falas e chama Billie para subir e cantar. E a menina salva sua mãe e a multidão enlouquece, porque ela tem uma voz enorme e ela não deveria estar em um clube às duas ou três da manhã, espere, estou dando muito?

Não foi baseado em sua própria vida
“Posso apenas dizer agora que esta história não é autobiográfica?” a cantora de “Heartbreaker” disse ao Movieline, respondendo a uma pergunta sobre o quanto do filme foi inspirado por sua própria experiência. “Minha mãe é branca e nunca foi instável. Ela é uma cantora de ópera. E o DJ que Billie conheceu não é como nenhum homem com quem eu já estive. Acredite em mim, Billie tem problemas totalmente diferentes dos meus. Eu não tenho o meu próprio. “

Não era absolutamente um musical
“Não é um musical”, disse ela à MTV em agosto de 2001, antes do lançamento do filme. “Eu não subo e vou, cantando ‘Por que você está agindo assim?’ do nada, sem motivo. Eu sempre odiei quando as pessoas simplesmente começavam a cantar. “

Era muito água com açúcar
“Começou como um conceito com substância, mas acabou sendo voltado para crianças de 10 anos”, disse ela ao USA Today em novembro de 2002. “Perdeu muito grão. Foi sem areia, na verdade. Eu meio que entrou na minha cabeça. “

Era brevemente conhecido como uma palavra proíbida
Em dezembro de 2013, a cantora de “Butterfly” disse a Andy Cohen que odiava tanto o filme que por um tempo não permitiu que as pessoas dissessem seu nome em sua presença. “Você não entende, por anos era a palavra proibida para mim, ninguém conseguia falar sobre isso; agora eu entendo como um momento bizarro da minha vida”, ela lembrou. Quanto ao motivo do fracasso nas bilheterias, ela disse: “Não houve nenhum roteiro, querido. E foi lançado em 11 de setembro”.

Ela agora olha para trás com carinho
“The Lambs tinha esse movimento, era chamado de #JusticeforGlitter, que eu acho que foi dirigido a mim, porque eu nunca toco essas músicas porque quase arruinou minha vida”, disse a atriz Precious ao Good Morning America em novembro de 2018. ” Mas a verdade é que é pela nostalgia agora porque é realmente um álbum muito bom. Posso dizer agora que eles chegaram ao primeiro lugar, então agradeço a eles. Isso é tudo sobre eles.  E eu não deveria sentir ruim sobre isso porque era tudo sobre as circunstâncias quando o álbum foi lançado, então é emocionante. “

Ainda foi um “desastre”
Solicitada em outubro de 2019 para citar alguns dos maiores momentos de sua carreira, Carey mencionou seu álbum de 1997, Butterfly e  Glitter. “Eu diria que o álbum Butterfly é obviamente um grande ponto de viragem; portanto, o nome e tudo o mais”, disse ela à Variety. “E então, rápido, após o desastre que foi o Glitter, sobre o qual todos podem ler no livro, porque é um momento real em que estamos entrando. E, a propósito, #JusticeForGlitter com meus fãs. Espero que inclua isso  na entrevista, porque o álbum foi para o número 1 este ano. Foi uma grande conquista para os Lambs, que, a propósito, se autodenominaram. Eu não nomeei meus fãs, e acho que é um insulto que outras pessoas tentem nomear seus fãs. Mas tanto faz, nós amamos todo mundo. “

Ela realmente não quer falar sobre isso
“Agora, se as pessoas tiverem dúvidas, posso ficar tipo, ‘Por favor, consulte o capítulo x’, em vez de ter que me defender, me proteger, me defender”, disse ela ao Vulture em agosto de 2020, referindo-se a suas memórias, The Meaning Of Mariah Carey. “Porque todos nós podemos ser feridos, mas vamos ficar sentados lambendo nossas feridas para sempre?”

Foi lançado na época errada
“A saga de fazer Glitter foi uma colisão de má sorte, mau momento e sabotagem”, escreveu a vencedora do Grammy em seu livro, lançado em setembro de 2020. “As vendas de bilheteria de Glitter foram desanimadoras, em grande parte porque o país estava ainda se recuperando dos ataques de 11 de setembro. A tragédia ainda era recente, e ninguém estava pronto para a distração leve que era o Glitter. “

Também era chamado de “Sparkle”
“Eu não conseguia nem dizer a palavra Sparkle” disse Carey à CBS no Sunday Morning em setembro de 2020. “Seria, tipo, as pessoas ao meu redor, tínhamos que dizer “Sparkle”‘ em vez de ‘Glittler’. O Glitter foi um período intenso. “

Fonte: Us Weekly

Em setembro de 1991, o segundo álbum de Mariah Carey, Emotions, estreou no 4º lugar na Billboard 200. Foi uma conquista respeitável pela maioria dos padrões – exceto, é claro, aquele que a estrela em ascensão definiu com sua estreia no seu primeiro disco, que passou 11 semanas consecutivas no topo da tabela apenas alguns meses antes.

A faixa-título de Emotions ainda não havia chegado ao topo da Billboard Hot 100 também – isso aconteceria algumas semanas depois, tornando Mariah a primeira (e, até agora, única) artista a alcançar o primeiro lugar com seus cinco primeiros singles.  Mas não havia dúvida de que ela estava experimentando um toque da chamada “crise do segundo álbum”. Emotions venderia significativamente menos do que Mariah Carey ou qualquer um de seus sucessos de sucesso, Music Box de 1993 e Daydream de 1995; ainda assim, o conjunto vendeu 3,61 milhões nos EUA até o momento, segundo a MRC Data.

Como o álbum seminal de Mariah, Butterfly, no entanto, Emotions é uma entrada verdadeiramente especial no catálogo da cantora, não apenas porque produziu três de seus melhores singles – “Emotions”, “Can’t Let Go” e “Make It Happen” – mas também pela força de seus cortes profundos. No intervalo de apenas 10 canções, Mariah percorre sem esforço ao R&B, disco, gospel e jazz, e faz tudo com a mesma sensibilidade pop aguçada que informaria suas incursões no hip-hop e house music.

Em homenagem ao 30º aniversário do álbum, Emotions será lançado em vinil rosa de edição limitada em 16 de outubro no Reino Unido, onde, como nos Estados Unidos, o álbum originalmente alcançou a 4ª posição. O lançamento faz parte do National Album Day, um parceria com a BBC Sounds para celebrar o formato LP e as mulheres na música.

Para comemorar três décadas de Emotions demos uma olhada na joia antiga de Mariah, muitas vezes esquecida, e classificamos cada uma das 10 músicas do álbum.

10. “To Be Around You”

To Be Around You ”é uma das quatro faixas de Emotions co-escrita e produzida por Robert Clivillés e David Cole, que se destacaram por uma série de sucessos com C+C Music Factory, incluindo o sucesso nº 1“ Gonna Make You Suor (Everybody Dance Now). ” A canção é um retrocesso pulsante e impulsionado pelo teclado inspirado no hit de Cheryl Lynn de 1978 “Got to Be Real”, mas empalidece em comparação com as outras contribuições de Clivillés e Cole para o álbum, incluindo a faixa-título de som semelhante, fazendo “To Be Around You ”a única música em Emotions que pode ser genuinamente categorizada como“ filler ”.

9. “And You Don’t Remember”

Uma balada sólida em seu próprio direito, “And You Don’t Remember” é uma música de separação exuberante e comovente que, como “To Be Around You”, sofre apenas em virtude de estar no mesmo álbum de uma faixa superior: a semelhança infundido com o evangelho “If It Over”.

8. “So Blessed”

“So Blessed” é uma música no estilo dos anos 60 no estilo dos Righteous Brothers com a balada de 1965, “Unchained Melody”, que havia retornado ao top 20 da Billboard Hot 100 um ano antes, graças ao filme Ghost. A música de Mariah ostenta uma qualidade pop atemporal semelhante, pontuada pelo co-escritor e produtor Walter Afanasieff pelas cordas arrebatadoras e guitarra elétrica pouco dedilhada – sem mencionar o desempenho vocal de partir o coração do cantor. É um modelo ao qual Mariah voltaria em canções como seu hit de rádio de 1996, “Forever”.

7. “You’re So Cold”

Em 2020, Mariah jogou uma shade em “You’re So Cold”, dizendo à revista Elle que “não vale a pena ouvir de verdade”, mas respeitosamente discordamos. Supostamente seria lançada como o primeiro single do álbum antes de Mariah, Clivillés e Cole criarem “Emotions”, “You’re So Cold” é uma faixa divertida, auto-indulgente e exagerado – todas as coisas que amamos no MC. A voz da cantora estava sem dúvida no auge em 1991 e, embora ela baixasse o tom das acrobacias vocais ao longo dos próximos anos, este hino bombástico é uma lição implacável de extravagância.

6. “Till the End of Time”

Supremamente subestimada pelos padrões de Mariah na época e, portanto, fácil de ignorar, “Till the End of Time” é uma balada elegante e atmosférica que leva seu doce tempo se desenrolando ao longo de cinco minutos e meio. Da mesma forma, os vocais abafados de Mariah ficam cada vez mais fervorosos, atingindo um nível febril durante a ponte dramática da música.

5. “The Wind”

Definida com uma composição do pianista de jazz Russell Freeman que se popularizou originalmente por Chet Baker nos anos 1950, a faixa final de Emotions conta a trágica história de um amigo que morreu em um acidente ao dirigir embriagado. Mariah e Afanasieff transformam a melodia já lamentosa de Freeman em algo totalmente triste, apresentando ao mundo a narrativa confessional e o estilo vocal ofegante que se tornariam a música do cantora nos próximos anos.

4. “If It’s Over

A história que contam é que Carole King encorajou Mariah a gravar um cover de “(You Make Me Feel Like) A Natural Woman”, uma música que King co-escreveu para Aretha Franklin em 1967. Mas Mariah teve uma ideia melhor, e a dupla sentou-se para compor uma música original para Emotions juntos. Apoiado por uma seção rítmica ao vivo, órgão Hammond e harmonias gospel que acenam diretamente com o hit icônico de Franklin, Mariah oferece um de seus vocais mais texturizados e matizados, pondo de lado qualquer especulação da época sobre sua alma genuína.

3. “Make It Happen”

O terceiro e último single de Emotions é um hino autobiográfico que mostra Mariah contando sua ascensão de humilde backing vocal, quando ela supostamente não tinha “sapatos adequados” em seus pés, para superstar multiplatina com um guarda-roupa inteiro projetado exclusivamente para seus saltos altos. Baseado em um groove retirado do single de Alicia Myers de 1981 “I Want to Thank You”, “Make It Happen” (que alcançou o 5º lugar no Hot 100) incorpora sutis floreios gospel e letras inspiradoras que transformam o que poderia ter sido uma corrida do pano do moinho à história da riqueza em algo universal, galvanizador e irresistivelmente dançante.

2. “Can’t Let Go”

O segundo single de Emotions, “Can’t Let Go”, ficou em segundo lugar na lista do Hot 100 da Billboard quebrando a seqüência de Mariah no topo das paradas, e também está classificado como vice-campeão nesta lista. O gancho melódico ascendente da música é uma variação do single de Keith Sweat de 1988, “Make It Last Forever”, mas não se engane – “Can’t Let Go” é muito mais uma música de Mariah Carey, e é um de seus melhores slow jams em um carreira cheia deles. Os acordes menores da balada carregada de sintetizadores e os versos desanimados emprestam-lhe uma atmosfera temperamental, com os vocais arejados e texturizados de Mariah incrivelmente combinados com a colagem minimalista de Afanasieff da programação de bateria Synclavier.

1. “Emotions”

Com Mariah tendo mais controle criativo do que em sua estréia, Emotions faz muitos acenos para suas primeiras influências. Portanto, não é coincidência que as três melhores faixas do álbum, todas sabiamente lançadas como singles, apresentem referências musicais do passado em posição de destaque. Na verdade, “Emotions” teve uma inspiração tão óbvia de “Best of My Love”, do The Emotions, que alcançou o primeiro lugar nas paradas de singles do Hot 100 e R&B em 1977, que o então editor da Billboard, Larry Flick, conferiu o nome do clássico disco em sua crítica em 1991.

Como “Best of My Love”, “Emotions” é delirantemente alegre, montando uma onda de dopamina tão potente que Mariah mal consegue articular como se sente, contentando-se com suspiros de êxtase, gemidos abafados e, é claro, aquelas notas de assobios eufóricos. Quando ela encontra as palavras para dizer como se sente, é simples e direto – ela se sente “bem” e “legal” e “satisfeita”. Quaisquer que sejam suas emoções, no entanto, é impossível para o ouvinte não senti-las também.

Fonte: Billboard

Na primavera de 2001, o contrato multimilionário de Mariah Carey com a Virgin Records foi anunciado. Ele valia cerca de US$ 80 milhões por quatro álbuns. Este acordo veio após uma década de gravações para a Columbia Records, vendendo mais de 100 milhões de álbuns e marcando mais de 20 hits no top 10. A assinatura veio perto do fim da era gigante do contrato de gravação, que atingiu o pico na década de 1990, quando artistas como Prince, R.E.M., Michael Jackson, Madonna e Barbra Streisand assinaram contratos colossais de gravação. Isso foi anos antes de a internet e o streaming destruírem as vendas de discos. O contrato de Carey com a Virgin Records foi uma reminiscência do enorme contrato que a gravadora assinou com Janet Jackson (que teve dois acordos recordes com a gravadora, incluindo um contrato de $ 80 milhões em 1996).

O primeiro projeto para a muito alardeada estreia de Mariah Carey com a Virgin foi antecipado com a ansiedade porque iria coincidir com sua estreia no cinema também. Inicialmente marcado como All That Glitters, Carey iria montar um filme semi-autobiográfico e trabalhar na trilha sonora. O álbum estava fadado ao fracasso por dois motivos. Primeiro, o filme – lançado como Glitter – foi recebido com desprezo da crítica unânime, com os críticos chamando-o de um dos piores filmes do ano. O outro motivo pelo qual Glitter não se saiu bem foi sua data de lançamento: 11 de setembro de 2001.

A péssima recepção do filme e seu fracasso comercial se estendeu ao álbum também, que foi o álbum mais vendido de Carey na época. O fracasso do filme também se estendeu à trilha sonora, e a reação da crítica ao álbum foi mista, na melhor das hipóteses. Isso é lamentável, porque ao ouvir o álbum 20 anos depois, fica claro que Glitter é facilmente um dos maiores álbuns de dance-pop das últimas duas décadas. Um elogio inteligente e amoroso ao dance-pop, pós-disco, synthpop e pop-funk dos anos 1980, Glitter é uma obra de gênio brilhante. Um pastiche da MTV disco com neon e do pop urbano milenar, Glitter é um álbum importante que merece ser classificado ao lado de outros clássicos pós-2000 como Radiohead’s Kid A, Amy Winehouse’s Back to Black, Eminem’s The Marshall Mathers LP e Wilco’s Yankee Hotel Foxtrot.

O filme do álbum não apenas evita que os críticos o levem a sério, mas o dance-pop, particularmente o tipo de pop pesado que Mariah Carey gravou, nunca foi muito respeitado pelos críticos. Mas é um erro descartá-lo como música pop fácil – em vez disso, é um disco inteligente que olha para a cultura club de Nova York dos anos 80, o som de Minneapolis, bem como a arte pop negra e queer dos anos 80. O recente esforço dos fãs para revisitar a reputação de Glitter é bem merecido, já que #JusticeforGlitter é uma das poucas tendências de mídia social pop que é válida.

Durante os meses que antecederam Glitter, Carey também passou por problemas pessoais, incluindo alguns comportamentos preocupantes, uma aparição no Total Request Live da MTV, na qual a diva subiu ao palco, distribuiu sorvetes para o público e fez um strip-tease improvisado. Outros exemplos de aparências preocupantes seguiram o desempenho do TRL e, eventualmente, Carey foi hospitalizada.

Esses problemas pareciam ofuscar o disco e seu primeiro single, o excelente “Loverboy”. A melodia seguia um padrão que Carey havia estabelecido alguns álbuns atrás: montar uma música dançante midtempo que tinha um sample dominante. Em “Loverboy”, o hit de 1986 do Cameo, “Candy”, foi a bola da vez. A melodia de Carey deu vida ao baixo e às guitarras agitadas da melodia clássica de R&B dos anos 80.

Conforme a música se apoia no sample de Cameo, Carey constrói esse gancho com várias camadas de seus vocais, algo meio Lincoln Logs – alguns são harmonias, alguns são murmúrios sexies, e também recebemos alguns gritos emocionantes. Lançada três meses antes do álbum, a música foi outro grande sucesso para a cantora, chegando no segundo lugar da Billboard Hot 100. Ao contrário dos singles principais dos álbuns anteriores de Mariah Carey, “Loverboy” conseguiu angariar as melhores vendas do ano com pouca promoção devido a problemas pessoais de Carey.

Produzida por Clark Kent, um DJ e produtor de hip-hop, com a contribuição de Carey, a canção é uma atualização perfeita do funk dance. A bela e poderosa voz de Carey assume diferentes formas, tons e volumes conforme ela brilha na excelente faixa. O trabalho de Kent é excelente em “Loverboy”, mas as melhores faixas de Glitter são produzidas com Jimmy Jam e Terry Lewis, que ajudaram a definir o funk-pop dos anos 80 com seu trabalho com Janet Jackson. Embora sua colaboração com Jackson represente sua melhor música, eles compartilham uma química notável com Carey. E porque Glitter é uma homenagem à música Control – era de Jackson, faz todo o sentido que Jam & Lewis tenham sido chamados para ajudar a criar este álbum.

As músicas feitas por Carey e Jam & Lewis são impressionantes. O filme conta a história de um alter ego fictício de Mariah Carey, que se tornou uma cantora pop na década de 1980, cantando funky e techy dance-pop. Isso significa que maestros do funk-pop como Jam & Lewis são vitais para o sucesso do álbum. Inclui um cover de “Didn’t Mean to Turn You On”, um grande sucesso da diva da dança dos anos 80, Cherrelle. A escolha sábia foi essencialmente recriar a música, aparentemente nota por nota, embora os vocais de Carey sejam mais fortes. A música é uma divertida música roller-disco que teria rendido muitas festas de aniversário de pista de patinação se tivesse sido lançada na década de 1980.

Outra jam de Carey / Jam & Lewis, “Want You”, é uma club jam de midtempo com baixo estridente, baixo dedilhado e sintetizadores macios. É um número funk e sexy que combina Carey com o cantor de soul Eric Benét. A música é uma mistura assustadoramente fantástica de funk dos anos 80 com o pop de Mariah Carey, uma mistura perfeita desses dois sons diferentes. Benét, mais conhecido por neo-soul, se sai bem em configurações mais sintéticas, e parece que um parceiro de dueto tão carismático quanto Carey também o torna um pouco mais extravagante e campista para combinar com a datação afetada do som.

Os números mais lentos de Carey e produzidos com Jam & Lewis soam como os slow jams boudoir que a dupla criou para Janet Jackson. Eles carregavam as marcas registradas daquelas baladas pop clássicas comoventes: sintetizadores macios, batidas suaves, vocais abafados; o tempo parece que para quando essas músicas tocam, parece que suas estruturas soltas podem encontrar seu caminho enquanto Carey canta as letras sensuais.

Além da participação de Jam & Lewis em Glitter, a outra referência ao club e à cultura dance dos anos 80 no álbum é o cover de “Last Night a DJ Saved My Life” da clássica banda de funk electro-dance Indeep. A música é um momento essencial na história da dance music pós-disco, um banger que destacou o papel crítico do Disc Jockey na dance music e club music. Esses criativos foram responsáveis ​​por pontuar noites eufóricas em clubes como Limelight, The Tunnel, Danceteria. O que Glitter estava fazendo era capturar aquele momento sombrio e brilhante na cultura das discotecas de Nova York (o que fez muito bem – o filme, nem tanto).

Carey consegue pavimentar o caminho com “Don’t Stop (Funkin ‘4 Jamaica)”, que trabalha com o clássico funk do gênio da disco-jazz, o trompetista Tom Browne em “Funkin’ for Jamaica (NY)”, uma homenagem à sua terra Natal, Queens. O trompete nasalmente agudo é penetrante, pois dá lugar a um número funk apertado que praticamente vibra. Os vocais ásperos de Mystikal dominam o disco, mas as doces harmonias de Carey agem como uma bela cortina, apoiando a presença charmosa e protagonista do rapper.

Junto com Mystikal, outros rappers contemporâneos como Busta Rhymes, Nate Dogg, Ja Rule, Ludacris e Da Brat aparecem, fazendo o álbum parecer novo e moderno, mesmo que esteja envolto em pop fluorescente dos anos 80. O brilhantismo de Glitter é que ele não apenas recria o dance-pop dos anos 80, mas não parece obsoleto, nem parece velho. Em vez disso, é um grande projeto no qual artistas contemporâneos olham para os anos 80 não apenas como inspiração, mas como seu projeto musical: eles estão recriando conscientemente os anos 80 e fazendo isso com um piscar de olhos, mas o disco funciona como se fosse novo e vital. Embora seja simples, não tira sarro do passado.

O fracasso de Glitter teve um impacto na carreira e na vida de Carey. Ela admitiu para Jimmy Fallon no The Tonight Show que o fracasso do filme quase “arruinou” sua vida. A falta de vendas do álbum e seus problemas pessoais levaram a Virgin a cancelar seu contrato com Carey, dando a ela cerca de US$ 30 milhões para rescindir o contrato. A carreira de Carey enfraqueceria, seus álbuns e singles subsequentes decepcionariam até The Emancipation of Mimi, de 2005. Esse álbum restauraria sua carreira, presenteando-a com um segundo ato, venderia mais de dez milhões de cópias e apresentaria uma série de singles de sucesso.

O sucesso fenomenal de Mimi e dos álbuns subsequentes, E=MC² de 2008, sua atuação bem recebida no filme Precious de Lee Daniels em 2009, bem como o sucesso perene de seu single de Natal “All I Want for Christmas Is You” deixou Carey seguir em frente com as memórias problemáticas de Glitter. Mas Glitter não deve ser relegado ao status de nota de rodapé – é um álbum brilhante, inovador e espirituoso que deve ser reconhecido como um clássico.

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